“Creo profundamente en la capacidad que tenemos los artistas para difundir aspectos de la realidad a través de nuestros medios de expresión y de dar un toque de atención al espectador, por ello propongo una reflexión sobre la situación de las mujeres viudas en India a través de un proyecto de fotografía documental”.
Así con estas palabras cargadas de sensantez y sensibilidad, Trinidad García (1979), una concienciada fotógrafa murciana nos acerca a uno de los temas más impresionantes en el mundo de la mujer oriental. Y lo hace a través de unas imágenes poéticas, humanas, bellas y expresivas. Esta serie titulada Asrham, Viudas en la India, se puede disfrutar hasta el 4 de junio en una exposición ubicada en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Murcia.

Trinidad nos define su trabajo y su concepción: “La idea principal es la concienciación social sobre un tema poco conocido en occidente. El problema afecta 35 Millones de personas en un continente en pleno desarrollo y con proyección a ser una potencia mundial pero donde la cultura y la religión se imponen a las leyes gubernamentales.
Cuando una mujer queda viuda se espera que permanezca de luto durante el resto de su vida. Se le prohíbe tomar parte en cualquier evento feliz o asistir a cualquier fiesta familiar o pública porque su presencia sería considerada como un mal augurio. Se les culpa de la muerte de su esposo a consecuencia de su mal karma. Deben dormir en el suelo, afeitar su cabeza, seguir una alimentación no condimentada ni cocinada, usar ropa blanca sin costuras, no usar adornos ni perfumes…
Todas estas limitaciones tienen como objetivo reprimir los deseos sexuales de la viuda de tal forma que no se vea tentada y traicione a su difunto marido.
Las viudas esperan, según la creencia hindú, que si mueren en las ciudades santas en los márgenes del río Ganges, se podrán reunir con su creador y cesará entonces el ciclo de nacimiento, muerte y reencarnación. Este momento de liberación se denomina “moksha” y con él, todo dolor infinito termina. Por este motivo muchos familiares abandonan allí a la viuda o es expulsada de su entorno, siendo estos destinos el lugar en que pasarán el resto de su vida esperando la muerte.
El hecho de ser repudiadas socialmente las lleva a la mendicidad y en el peor de los casos a las redes de prostitución”.

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Murcia e Interiorista por la EASD, desarrolla sus trabajos influenciada por sus viajes a diversas culturas y enfoca su obra a través de una critica social actual. Con mas de una veintena de premios en diferentes disciplinas entre ellos el Creajoven 06 y Molajoven 06 su obra ha sido expuesta en el Museo de la Cuidad de Madrid y Bienal de Jóvenes Creadores en Bari, Italia en 2008. Su anterior trabajo de fotografía documental “Watoto swahili” fue expuesta en el Archivo Regional de Murcia a través del Cehiform.

Esperamos poder seguir disfrutando durante mucho tiempo de una fotógrafa de tanta sensibilidad. Una apuesta por el ámbito de la fotografía documental, tan importante como gratificante.

Yolanda Dominguez Madrid (1977) presenta “Esclavas”, utilizando burkas originales para realizar sus obras, esta creadora en colaboración con la diseñadora Sara Ostos, presenta una serie de prendas de lencería pensando en la mujer occidental. En el mundo musulmán la mujer se oculta y en el nuestro todo lo contrario. “Mientras que la mujer árabe cubre su cuerpo y en cierta forma lo niega la occidental lo muestra desnudo en público”  (cita de Angelika Affentranger-Kirchrath para el proyecto de Denise Kobler, que encaja como anillo al dedo con el de Yolanda Domínguez). Anorexia, tallas minúsculas y la imposibilidad de disfrutar de la comida, son algunas de las limitaciones de muchas mujeres occidentales “esclavas” de nuestras costumbres sociales impuestas. La socióloga marroquí Fatema Mernissi lleva tiempo haciendo referencia a la “esclavitud” de la mujer en occidente a ciertos hábitos vinculados con el culto al cuerpo. Puede que algunas mujeres del último pueblo perdido de Afganistán sean menos esclavas que muchas mujeres “super-chic” que frecuentan lugares de moda de la Costa Azul, Nueva York o California.

María Gimeno (Zamora, 1970). “Poligamia”. Hilos dibujando de manera anónima el color de la costumbre y de la tradición. Hilos que forman un laberinto de banderas procedentes de lugares exóticos de ensueño. Un bosque de hilos que invita a pasearse, a jugar y que sin embargo, esconde secretos a punto de ser desvelados.La instalación de esta artistase configura en un espacio articulado a través de líneas de color que se cruzan en diagonal de suelo a techo, obligando al espectador a sumirse en un mundo desconocido por el que habrá que moverse delicadamente, con el cuidado con que nos movemos por lugares nuevos para nosotros.

El color representa las banderas de una larga lista de países donde hasta la fecha, se practica o se ha practicado la poligamia y donde las mujeres no son iguales al hombre. La belleza de ese bosque de banderas se cortará al final de la exposición en presencia del público, como símbolo del deseo de cortar el lastre de las tradiciones discriminatorias. Aunque tras las banderas se esconden mundos que prácticamente no comprendemos desde Occidente. Cortar es una acción radical e irreversible, un acto de generosidad y de censura, de abolición y de comprensión. Donde hubo tensión, habrá un campo de hilos colgando libres, sin referencia local ni formal.

Denise Kobler (Muri, Suiza, 1963). En “Tshadors” presenta una serie de papeles pintados con grafito, pastel y aceite de amapola. Todos tienen la misma silueta, el mismo tamaño, pero con variaciones diversas. Ingenuidad impregnada de erotismo y delicadeza. Un ambiente sutil marcado por trazos de humor en medio de la inquietud.
“En estos dibujos frágiles y transparentes se mantiene un equilibrio inestable entre lo tabú y lo no tabú, ente la alegría y disfrute de la vida y la agonía”. “Denise Klober consigue a través de un leguanje lírico lleno de símbolos abordar los sentimientos femeninos de una forma emocionante y absolutamente dramática“. (Angelika Affentranger-Kirchrath).

 Hasta el 27 de Julio.

Rémi Ochlik nació en el este de Francia en 1983. Después de graduarse en la escuela secundaria, se trasladó a París para estudiar fotografía en la escuela Icart-photo, y comenzó a trabajar para la agencia de fotografía Wostok.
En 2004, con 20 años, viajó a Haití para fotografiar los disturbios en torno a la caída del presidente Jean-Bertrand Aristide. Para Rémi fue su primera experiencia en un conflicto armado.
La obra resultante fue galardonada con el Premio François Chalais para Jóvenes Reporteros y se presentó en el Festival Visa pour l’Image Internacional de Fotoperiodismo.
En 2005 Rémi fundó su propia agencia de fotografía, PRENSA IP3, con la intención de cubrir las noticias en París y conflictos en todo el mundo. Sus fotografías de la Primavera Árabe realizadas durante las revoluciones de todo el 2011, serán posiblemente su obra más recordada. Murió a la edad de 28 años.

Exposición comisariada por Jean-Francois Leroy y Arnaud Brunet.
Organizada por Alliance Française Sabadell, Institut Français de Barcelona, Visa pour l’Image y Arts Santa Mónica. Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya.
Hasta el 2 de junio.

Entre los finalistas de arquitectura: Ampliación del Museo Picasso de Barcelona por Jordi Garcés, la Escuela Infantil Asunción Linares de Granada por Elisa Valero, Casa en Cadaqués por Stephen Bates, Auditorio Municipal en Teulada (Alicante) por Francisco Mangado.
Los premios se entregarán el próximo 12 de julio en el FADFest, un punto de encuentro entre profesionales, empresas y público alrededor del diseño.

http://www.elisavalero.com/estudio.php
http://arquinfad.org/arquinfad_web/press/2012/bases_premis_fad_2012/bases2012_cast.pdf
http://www.jordigarces.com/
http://www.sergisonbates.co.uk/index.htm
http://www.fmangado.com/

Un grupo de 12 fotógrafos jóvenes con un mismo nexo común, la estética tradicional, lo intimista, el mundo cotidiano y sus inquietudes. Imágenes que contienen mucho de la contención japonesa y de singular instrospección. Entre ellos destacan nombres como los de Hazuki Natuno, Junku Nishimura, Suwa Minoru, Shinya Arimoto, Saito Harumuchi, Hiroshi Nomura y Paula Fujiwara fotógrafa catalana de origen japonés que concibe su obra con una estética muy particular, estableciendo vínculos entre las dos culturas de las que forma parte y con un trabajo personal creando una sutil estética depurada, limpia, de gran belleza plástica.

Alejados de los potentes mercados comerciales, la tendencia dentro de estos artistas es más la experimentación. Su concepción del entorno, su mundo y sus cambios.

Un ejemplo de todo esto es el artista de Eslovaquia Matej Kren con la creación de unas  estructuras arquitectónicas sorprendentes, que permiten transitar por su interior.

Miler Lagos artista colombiano. construyó una  cúpula autosostenida hecha de libros, titulada  Home, para una exhibición a finales del año pasado en MagnanMetz Gallery de Nueva York.

Alineaciones cuidadosas con perfecta armonía y simetría. Una instalación con una cúpula complicada e ingeniosa.

Colosal y sin precedentes la brillante  instalación,  Torre de Babel con libros y fotografías realizada por la genial artista argentina Marta Minujín elaborada con cerca de 30.000 libros donados por lectores y librerías, con idiomas de todo el mundo y con casi 25 metros de altura. Fue construida en la Pza San Martín de la ciudad de Buenos Aires el pasado año.

 Otros ejemplos de buenas ideas de fusión arte-arquitectura, con el atractivo mundo del libro.

Ham&Cheese nace a finales de 2009 de la mano de Jordi Gisbert y Verónica Coloma, diseñadores de producto y gráfico respectivamente. Se conocen en la Escuela de Arte y diseño de Alcoy (Alicante), decidiendo montar este estupendo combinado y ofrecer soluciones integrales. Siguen el estilo del sándwich mixto, desarrollando todos sus proyectos de una forma inteligente, combinando elementos sencillos para dar lugar a ideas frescas, novedosas y con un sabor especial.
Especialistas en; Diseño industrial y de productos, Prototipado, Diseño gráfico, imagen corporativa, naming, Fotografía, Motion Graphics, Diseño web y gestión de la misma.

Entre sus creaciones encontramos, la tierna lámpara Glob para niños, un mix entre peluche-luz, que no emite calor y puede compartir la noche con los pequeños.

Tag-it! es una cómoda y útil  luz que recoge aquellas ideas que te asaltan en mitad de la noche, queda todo apuntado sin salir de la cama.  Con su versión Promo en cartón con luz RGB que cambia de color.

Mobiliario infantil que ofrece distintas posibilidades según la actividad del niño, práctico y funcional, la mesa Detab y el taburete Tong.

Fusiones tan divertidas como la capacidad de ahorrar y la música en su versión de Maraca, una hucha “alegre”.

Muebles que crecen para ocasiones múltiples y hacen que los espacios puedan ser reutilizados y más acogedores.

Muchas y variadas ideas que la joven pareja de Ham&Cheese nos ofrecen para hacer de nuestro mundo algo más divertido y funcional.
Diseño de tierras alicantinas  fresco e innovador. Fueron becados para trabajar con la prestigiosa firma de mobiliario SANCAL y participado en varias ediciones de NUDE, la Feria del Hábitat de Valencia y en la Disseny Week de esta misma ciudad.
Les deseamos todo lo mejor.

Una de las exposiciones que se encuentran previstas en Madrid, en la Sala Alcala 31 de la Comunidad de Madrid y producida por la Fundación Telefónica, llevará por título Ansiedad Visual. Catorce artistas de nueve países que analizan los efectos de la sobreabundancia de las imágenes. Entre ellos, Wang Ningde (1972). Uno de los  fotógrafo chinos contemporáneos más  reconocidos a nivel internacional y famoso por sus imágenes de silencios.

Carismático por su concepción de la idea de fotografía en la que  todos sus personajes aparecen con los ojos cerrados. Poético y atemporal, sus obras producen sentimientos contradictorios, de relajación e inquietud a la vez. De preguntas que dejan vacios, de personajes que parecen en tránsito entre dos mundos el real, la China actual y el imaginario, aquel que surge de los sueños y los miedos.

Para no perdérselo. Para no olvidarlo.

Mon Labiaga es natural de Madrid y en contra de lo que su juventud nos pueda llevar a pensar, tiene una dilatada experiencia en el mundo de la fotografía. Directora del cortometraje en 35 mm  “Viaje en tren” en 2008, directora de fotografía en el largometraje “Un millón de euros” y en el corto “Sola”. También ha participado en distintas funciones en un total de 7 cortometrajes y dos videos musicales.
Ha participado en la exposición colectiva <Fruit Atraction>, IFEMA 2010, “Photoespaña 2010”, “EFTI 2010”, finalista en el concurso “5 al día”, con la fotografía  “Jaque Mate”, publicada en el calendario 2011 de “5 al día”.

La fotografía más reciente que ha añadido a la serie es “Gravedad descendente”, con la cual nos vuelve a mostrar una visión diferente de los espacios descontextualizándolos completamente. El proyecto se compone tanto de obra fotográfica como videográfica, para poderlo ver de una forma más completa podéis visitar la web de la artista: http://www.monlabiaga.com“

El vínculo de arquitectura y fotografía, una simbiosis que Mon Labiaga consigue llenar de profundidad y sentido. En sus obras destaca su pulcritud por el concepto, sus dósis de relevante perfección.
Un lujo para Espacio Pático.

Para conocer más sobre ella:

http://www.flickr.com/photos/montse
http://pinterest.com/monlabiaga/
http://www.linkedin.com/in/monlabiaga

Es valiente y emprendedora desde el pasado mes de enero, cuenta con su propia empresa, www.saucodesign.com, siguiendo su camino profesional, las reformas de exterior, pero introduciendo además, el diseño de interiores. Minuciosa y creativa en su trabajo, es así como desarrolla SOMBRAS.

Todo se desarrolla en un entorno particular, la Playa de La Hita, una de las últimas playas salvajes del Mar Menor, donde según nos cuenta Leticia, “ la vida obedece al compás del viento y de la mar, un lugar abierto por el que adentrarse en el Paraje. Su singularidad reside en que la mano del hombre apenas ha intervenido y el visitante descubre aquí el deseado refugio natural, donde pervive una vegetación de saladar y carrizal”. El proyecto surge como respuesta a una necesidad presente en la playa, la remodelación de la zona de camping, basado en las características naturales del entorno y convirtiendo el lugar en un objeto de participación.

La autora del diseño analiza las formas del entorno: “La forma, dimensiones y materiales se adaptan e integran en el medio, considerando que los elementos se implantan en una playa virgen. Se intenta que la arquitectura traduzca la naturaleza, es decir, que ponga en relieve y en valor, virtudes y características que carecen de visibilidad actual creando una continuidad entre la naturaleza y la arquitectura introduciendo al usuario en la naturaleza del entorno. Tras identificar las características del entorno, como son la distribución de especies, flora y fauna e incluso vistas privilegiadas, se aplican estrategias para dotarles de una mayor visibilidad”.

IDEA: Ampliación del Paraje de la Hita en la playa del camping mediante una composición uniforme que refleje las sombras producidas en el paraje y el movimiento producido por el viento sobre los carrizales. Se trata de traducir el entorno en el interior del elemento a crear. Búsqueda de reflejos, luces, sombras y relacionarlo con sensaciones que causen dichos aspectos. Se pretende que las sombras creadas formen una composición uniforme y que sea considerado una ampliación del propio paraje.

Esta es su inspiración el entrelazado de los ramajes y los reflejos de la flor del carrizal. La opción para transmitir la idea de la diseñadora es rotular todos los espacios libres entre los ramajes, a través de una fotografía que muestre estos dos aspectos. 

Así consigue el estudio de las sombras, de esta manera una vez proyectada la luz se producen las mismas sombras que proyectan las ramas de los carrizales en el paraje. Mediante el corte de la fotografía se consigue una piel calada de perforaciones quedando el espacio interior bañado por la luz natural. La piel será tratada como un módulo siendo una pieza que se repite formando parte de un sistema haciendo el elemento más sencillo, regular y económico.

Utilizando como modelo la naturaleza, con la forma de un carrizal trazando una línea continua en todo su perímetro. Ésta forma dará lugar a las carpas de las parcelas del camping. La forma también se tratará como un módulo y la repetición dará lugar al camping completo. Superposición y giro de la capa inferior consiguiendo un movimiento similar al que produce el viento sobre los carrizales, de esta manera las perforaciones no coinciden y por tanto se reduce la luminosidad en el interior de la parcela, sin renunciar a los juegos de luces que simulan el carrizal.

El proyecto parte de las parcelas que componen la zona de camping y una serie de elementos: mirador, cartel informativo, interacción social, zona de descanso y pasarela. Dichos elementos son el complemento que ayudan a aumentar el grado de participación del usuario. Mediante la creación de sombras similares a las del paraje se consigue una prolongación del paraje hacia la zona de camping.

La piel, la cual proyecta las sombras del carrizal y la forma escogida, dan lugar a un módulo el cual se repite formando la composición. Dicho módulo, según su tratamiento, variará en uso otorgando diferentes experiencias en el usuario. La composición de carácter dinámico pretende hacer partícipe a los usuarios de experiencias diversas. El tipo de implantación se basa en una trayectoria hacia la pasarela que da acceso al Paraje de La Hita, actuando como un embudo que introduce al usuario hacia el Paraje.

Por su forma, las parcelas tendrán una zona de sombra creada por la carpa y zonas sin sombra al aire libre. Las dimensiones de cada parcela de 8.30×8.30 metros, dan cabida a un coche y a una autocaravana. Se intenta conseguir una materialidad ecológica propia del entorno. Utilización de madera de pino para la pasarela que convive con total armonía con la chapa metálica de aluminio que aporta el aspecto tecnológico.

Una idea llena de sensaciones, de fidelidad y adaptación al entorno, de frescura. Talento de la Región de Murcia, Leticia Brugarolas.